La madre

Ne La Madre Zeller indaga con estrema acutezza il tema dell’amore materno e le possibili derive patologiche a cui può condurre. La partenza del figlio, ormai adulto, viene vissuta dalla donna come un vero e proprio tradimento, come abbandono del nido, a cui si aggiunge una decadenza dell’amore coniugale in atto da tempo. Il tono da black comedy iniziale lascia scappare più di un sorriso, per le situazioni descritte e il meccanismo delle ripetizioni che Zeller instaura nel testo, si trasforma lentamente in un dramma spietato che non sembra essere né un vero sogno, né la banale realtà del presente, ma una vertigine ipnotica e crudele dalla quale risvegliarsi è impossibile. Il mondo di Anna è un luogo in cui lei non si riconosce più, isolata da un ménage familiare che l’ha espulsa. Ma la responsabilità di questa solitudine non sta forse anche nell’aver rinunciato alla vita? Abdicare ai sogni, alle speranze e ai desideri unicamente per dedicarsi al proprio unico figlio maschio su cui riversare frustrazioni, rimorsi e ideali d’amore non è forse un cammino che inclina pericolosamente verso la disperazione? Anna, la madre, è ossessionata da una realtà multipla, una sorta di multiverso della mente, in cui le realtà si sdoppiano creando un’illusione di autenticità costante in tutti i piani narrativi. Ma dai ricordi di Anna si può immaginare un risveglio? Nella sua mente di madre si affastellano ora sequenze oniriche ora situazioni iperrealistiche. Nella società liquida e levigata di Zygmunt Baumann e Byung Chul Han il senso di colpa non basta più a tenere vicini i figli. Nel dolore del lasciarli andare, per una madre, c’è tutta l’accettazione della vita nel suo divenire, c’è del lasciar andare una parte di sé per rinascere nel distacco.

di Florian Zeller

con Lunetta Savino, Andrea Rernzi (sostituito da Paolo Zuccari) Cuarastella Sorrentino, Niccolò Ferrero
regia colonna sonora Marcello Cotugno
scene Luigi Ferrigno
luci Pietro Sperduti
costumi Alessandra Benaduce
foto Riccardo Bagnoli
aiuto regia Arianna Cremona
asssitente alla regia Fiorentina Mercaldo

una produzione
Compagnia Molière

Teatro di Napoli
Accademia Perduta Romagna Teatri

2084
L'anno in cui bruciammo chrome

2084 può considerarsi come il capitolo conclusivo di una ideale trilogia sul futuro e sulla famiglia, due temi da sempre oggetto del mio interesse, che ho iniziato ad esplorare sin dall’anno 2000. In quell’anno, infatti, scrissi e diressi Anatomiadellamortedi… (vincitore del premio “7 spettacoli per un nuovo teatro per il 2000”, indetto da Mario Martone, allora direttore del Teatro Argentina di Roma), un testo che analizzava il disagio esistenziale di un giovane uomo alle soglie del terzo millennio: l’aspra lotta con i genitori, colpevoli di non comprendere ansie e speranze delle nuove generazioni, ma anche la semplice noia, malattia del benessere e della borghesia, erano i conflitti che spingevano il protagonista al suicidio. La tecnologia, in Anatomia…, era presente nella forma di due megaschermi connessi alla rete per tutta la durata dello spettacolo (con tecnologia ISDN), e rappresentava un ulteriore personaggio sulla scena, importante al pari degli attori protagonisti. Internet era il territorio di ricerca che il miglior amico del protagonista dragava per cercare una traccia, una spiegazione per l’assurda morte di Daniele. Molti anni dopo, nel 2017, ho affrontato, in Liquido, lo stesso tema da un punto di vista speculare: quello della generazione dei padri, immaginando una famiglia in cui fosse il padre ad abbandonare le figlie, colpevoli di aver contribuito, col loro spietato opportunismo, a rovinargli la vita. L’elemento tecnologico era qui rappresentato da una apparentemente miracolosa terapia sperimentale, simile a quella, di origine militare, chiamata deprivazione sensoriale. Guido, il protagonista, dopo aver perso la moglie, si sottopone a questo trattamento in Giappone e ne riemerge profondamente cambiato, al punto da tornare a Roma e trovare la determinazione per abbandonare le figlie. Con 2084 la mia ricerca è approdata su altri territori. Partendo, infatti, da letture e visioni sulla Cina, un mondo con cui sempre più – dalla pandemia alla definizione dei nuovi equilibri economici e di potere sullo scenario globale – stiamo accorciando le distanze, ho avuto modo di immergermi in una cultura affascinante e terribile, ricca di straordinarie intuizioni e drammatiche contraddizioni. Letture come RedMirror di Simone Pieranni o visioni come StayAwesomeChina! di Winston “SerpentZA” Sterzel, sono state per me il volano per costruire un mondo narrativo che, prendendo spunto dal presente cinese, immagina un futuro non troppo lontano in occidente. In 2084 il mondo occidentale ha subito una forte colonizzazione culturale proprio da parte della Cina: molti termini di uso comune non sono più mutuati dall’inglese ma dal cinese, lo stato impone un controllo massiccio sull’individuo, la dimensione collettiva/pubblica ha annientato quella personale/privata. Al singolo non resta che rifugiarsi nell’orizzonte virtuale per coltivare speranze e sentimenti: ecco perché il metaverso è diventata l’unica possibile fuga, grazie alla quale la dimensione claustrofobica della casa si apre su paradisi artificiali, in cui sognare altre vite possibili. In 2084, quindi, la disumanizzazione della società fa da sfondo alle tensioni familiari, mettendo in evidenza l’irrigidimento delle gerarchie sociali e come questo si ripercuota nelle vite dei singoli. Perseo, Atria e i loro due figli, Izar e Alhena (sono tutti nomi di stelle), si dimenano in questo habitat che a tratti ci appare familiare, a tratti distopico e incomprensibile, cercando ognuno un senso e una direzione alle proprie vite in bilico. Ognuno porta avanti la propria battaglia: Perseo e Atria non riescono ad uscire dalla soglia di povertà a causa di un funzionario corrotto, Izar, nella dimensione virtuale dove ha trovato rifugio, incontrerà la realtà di un’amara delusione d’amore, e Alhena, in quella che è l’unica iperbole tecnologica del testo, cercherà una nuova identità attraverso tecniche sperimentali di criogenica. Lo spettacolo cerca, nella sua cifra minimale - scena e sfondi bianchi, proiezioni video a tutto schermo provenienti dal metaverso - di fondere dimensioni e stili teatrali differenti, passando da quello relazionale delle scene di interno familiare a quello brechtiano dei monologhi-racconto dei protagonisti, per arrivare alle astrazioni formali proprie del teatro post-drammatico. Nonostante la presenza narrativamente determinante della dimensione tecnologica, il tentativo è quello di mantenere viva la forma teatrale del progetto. La tecnologia non vuole mai tradursi in un mero effetto speciale, ma vuole essere parte integrante della drammaturgia, amplificandone la profondità strutturale. Anche la ricerca musicale è stata di fondamentale importanza: la colonna sonora utilizza esclusivamente band e musicisti cinesi e asiatici, molti dei quali completamente sconosciuti al pubblico occidentale. Da Omnipotent Youth Society, gruppo cult di Qinhuangdao (la città dove, dal mare, sorge la Grande Muraglia) a Dj Desa e Isky Riveld, dj indonesiani creatori del genere funkot, per finire a Dj TIK TOK, nomen omen. Le scene sono state realizzate dagli allievi del Prof. Luigi Ferrigno, docente dell’Accademia di Belle Arti di Napoli: Jia Chenghao, Fabio Cosimo, Alessandro Fraia, Gao Jing, Assunta La Corte, Giorgia Lauro, Cecilia Marcucci, Wu Yongq. I costumi, ispirati alle immagini del fotografo cinese Ren Hang, da Irma Ciaramella, le luci eleganti e minimali da Pasquale Mari. Due validissimi collaboratori, Gennaro Monforte e Francesco Domenico D’Auria, mi hanno affiancato nella progettazione video. Mentre Arianna Cremona, aiuto regista, ha dato il suo prezioso contributo alla drammaturgia, e Anna Simeoli ha ideato le coreografie. Nel cast, accanto a due attori di grande esperienza e talento come Francesco Cordella e Nadia Carlomagno, un gruppo di allievi attori del Master Teatro Pedagogia e Didattica del Suor Orsola Benincasa, ideato e diretto da Nadia Carlomagno che, assieme a me, ha fortemente voluto e co-ideato il progetto su Distopia e Metaverso da cui è partito il testo 2084: Paolo Capozzo, Antonella Durante, Graziano Purgante, Giulia Scognamiglio, Anna Simeoli e, in voce Marzia Simiani e Salvatore Mazza. Alla fine, in questa visione di un futuro prossimo, rimangono solo tante domande. Rimane il disorientamento di trovarsi di fronte a un’aporia da noi stessi creata. Che direzioni prenderà l’umanità? Torneremo alla terra? Ci perderemo definitivamente in una dimensione virtuale? Scompariremo in una sesta estinzione di massa o riusciremo a trovare una integrazione tra ecologia e tecnologia?

di Marcello Cotugno

con Francesca Cordella, Nadia Carlomafno, Paolo Capozzo, Graziano Purgante, Giulia Scognamiglio. Anna Simeoli, Antonella Durante
regia colonna sonora Marcello Cotugno
scene a cura degli allievi e delle allive dell'Accademia di Belle Arti di Napoli
scenografa Assunta La Corte
asssitenti alle scene Jia Chenghao, Fabio Cosimo, Alessandro Fraia, Gao Jing, Giorgia Luro, Cecilia Marcucci, Wu Yongqi Graca
costumi irma Ciaramella
luci Pasquale Mari
aiuto regia Arianna Cremona
asssitente alla regia Marta Finocchiaro, Fiorentina Mercaldo
progettazione video Francesco Domenico D'Auria, Marcello Cotugno, Gennaro Monforte
una produzione
ACTS
in collaborazione con
Campania Teatro Festival
Università degli studi Suor Orsola Benincasa
Master di I livello annuale in Teatro, pedagogia e didattica
Diretto da Nadia Carlomagno
Accademia di Belle Arti - Napoli
Cattedra di Scenografia Prof. Luigi Ferrigno
un progetto di Nadia Carlomagno e Marcello Cotugno

All’indirizzo
https://opensea.io/collection/2084theyear
è disponibile una collezione di NFT disegnata da Marcello Cotugno e ispirata ai personaggi dello spettacolo.

Disorder
(Land of the Dead /Helter Skelter)

Neil LaBute, una delle voci più interessanti della nuova drammaturgia americana, ha una predilezione per le commedie brevi: “Una commedia breve è una stronza bastarda ed è davvero difficile da addomesticare. Come le pubblicità o i video musicali o i racconti brevi è una cosa molto più complicata di quello che sembra”. Nonostante questo, con la stessa tempra dello scalatore che torna a cimentarsi con le vette più dure, LaBute scrive spesso atti brevi per il teatro. L'essenzialità e il rigore che sottende alla scrittura di questi brevi episodi teatrali costringe l’autore, secondo LaBute, ad essere disciplinato, a soppesare ogni parola, poiché, nella brevità del suo svolgimento, bisogna che ogni cosa veicoli e sintetizzi un significato preciso.

I due atti unici del 2007, Land of the Dead e Helkter Skelter, da noi riuniti in un unico spettacolo ribattezzato Disorder, non sono stati pensati dall’autore come parte di un’unica pièce, ma la presenza comune dell’elemento della gravidanza ne suggerisce l’accoppiata.

Nel primo, Land Of the Dead, due coniugi raccontano ad un interlocutore invisibile dell’aborto di lei. I monologhi di marito e moglie, rivolti verso la platea, rompono, come d'abitudine di LaBute, l'immaginario parete che separa gli attori dal loro pubblico, per chiamare direttamente in causa gli spettatori. Più che in una sala teatrale, abbiamo la sensazione di trovarci davanti a due uomini come noi che devono affrontare un problema: una gravidanza voluta/non voluta. L’uomo e la donna, presenti/assenti in scena, vivono il proprio racconto - che ha la forma ibrida tra prosa letteraria e teatro tipica del Literary Drama - in un crescendo di tensione da thriller psicologico.

Helter Skelter, il secondo atto unico, ha una struttura più classica. È, per dirla con le parole del drammaturgo, “un urlo primordiale”: LaBute trasforma infatti un innocuo incontro tra marito e moglie in un ristorante durante lo shopping natalizio in una tragedia ispirata per toni e crudezza a quelle dell’antica Grecia. L’infedeltà di lui scatenerà la furia della moglie in cinta che, non volendo limitarsi ad un civile atto di separazione, compirà un atto estremo davanti agli occhi terrorizzati del coniuge.

Entrambi i testi sono affidati, attraverso l’utilizzo di una regia in-visibile, all’interpretazione dei due attori: nel primo la rappresentazione della presenza/assenza in scena e l'abbattimento della quarta parete coinvolgono in una tensione condivisa gli interpreti e il pubblico, consentendo agli attori sulla scena di lasciarsi andare al loro crescendo emotivo; nel secondo, la relazione scenica più diretta suggerita dal dialogo tra gli attori veicola i temi euripidei del tradimento e della vendetta, convocando il pubblico a osservare, come testimone, le drammatiche contraddizioni nascoste sotto la coltre della normalità.

di Neil LaBute
traduzione di Marcello Cotugno e Gianluca Ficca
con Benedicta Boccoli, Claudio Botosso
regia, spazio scenico, luci e colonna sonora
Marcello Cotugno
aiuto regia Arianna Cremona
una produzione Teatro Lo Spazio

La Pacchiona
(Fat Pig)

Il tema dell’essere “carini”, esteticamente gradevoli e socialmente omologati, è centrale in Fat Pig, (da cui è tratta la nostra versione siciliana del testo originale), come in altri due testi dell’autore americano: La forma delle cose e Reasons to be Pretty, a formare quella che lui stesso definisce “Trilogia della bellezza”: L’idea di trasportarla in Sicilia nasce dalla mia collaborazione con Paolo e Federica, attori con cui condivido un’idea di teatro vivo, calato nella realtà e nel divenire del nostro tempo. Come è stato messo in risalto da Thomas Bell, professore universitario di geografia urbana, nel saggio Neil LaBute A Casebook, è lo stesso LaBute a suggerirci che i suoi testi, non avendo quasi mai una reale collocazione geografica, sono scritti per poter adattarsi ad ambientazioni differenti. D’altra parte, Fat Pig è anche un testo sul concetto di diversità. E, nel meridione d’Italia, l’inclusività e l’accoglienza nei confronti di chi, in un modo o nell’altro, diverge dalla norma – o dal cliché – non possono, ancora oggi, darsi per scontati. Il meridione, e la Sicilia in particolare, ha inoltre una fortissima cultura del cibo, spesso visto come un collante sociale. Ma il cibo è anche rifugio, valvola di sfogo, e rimedio contro l’insoddisfazione di cui un individuo emarginato è facile preda: marginalità e censura sociale nei confronti del “diverso”, possono dunque, a queste latitudini più che altrove, innescare un circolo vizioso che conduce all’esclusione. Il testo, dedicato da LaBute a David Mamet, suo idolo in gioventù, racconta la storia di Tommaso, un milanese trapiantato in Sicilia, che si invaghisce di Elena, una bibliotecaria gentile, simpatica e dai molti talenti, apparentemente perfetta per lui se non per il fatto di essere una “taglia molto forte”. Le chiacchiere e le ironie sulla grassezza di lei da parte degli amici saranno per Tommaso il principale ostacolo al rapporto. L’aspetto fisico, infatti, non deve deludere i gusti dell’ambiente sociale a cui apparteniamo: molti tra i personaggi di LaBute finiscono quindi col permettere al giudizio degli altri di dominare le proprie vite e di determinare le proprie scelte, anche a costo di rinunciare alla felicità in nome del pensiero comune. Ma mentre Tommaso è vittima suo malgrado di questa dittatura della bellezza, Elena, la protagonista/eroina di La pacchiona, sembra essere a suo agio nonostante il mondo esterno cerchi di escluderla. Lei, d’altra parte, ormai così abituata a non essere vista, abita il suo "mondo parallelo”. Il suo appartamento, il suo rifugio sicuro, in cui le fanno compagnia i personaggi e le scene dei vecchi spaghetti western (nell’originale film di guerra), solitamente parte di un immaginario prettamente maschile. Lo spettacolo segue lo stile del teatro da camera, citando l’Intima Teatern di August Strindberg e puntando i suoi atout sulla recitazione relazionale e sulla credibilità dei personaggi. Abbattere la divisione palco/platea sfruttando lo spazio in modo da coinvolgere lo spettatore nell’azione mi sembra la soluzione più adatta a una pièce che racchiude in sé una forte carica empatica e veicola una matrice sociale fortemente allusiva al contemporaneo. Il progetto è anche per noi l’occasione di iniziare una collaborazione con il Teatro Stabile di Catania e con la sua direttrice Laura Sicignano, attenta alle istanze del contemporaneo e al coinvolgimento del territorio. Lo spettacolo, infatti, debutterà al suggestivo Castello Ursini nell’estate 2020 e prevederà un percorso laboratoriale aperto ad attori e attrici siciliani per scegliere il resto del cast. Come nella tradizione postmoderna, sarà il pubblico a dover trovare le risposte alle azioni degli attori in scena e, una volta tornato a casa, a rivolgere lo sguardo su sé stesso. È questa l’amara catarsi di LaBute: offrirci un’occasione per guardare a ritroso le nostre vite, per rifare il doloroso conteggio di tutto quello che ci è stato dato e tolto, di tutto quello che noi abbiamo lasciato andare, e di tutto quello che gli altri ci hanno fatto credere. Un inventario crudele, di una vita forse solo apparentemente felice, che in realtà è stata una continua guerra piena di sconfitte e con pochissime vittorie sul campo. Almeno fin qui.

di Neil LaBute
traduzione di Marcello Cotugno e Gianluca Ficca
con Paolo Mazzarelli, Federica Carruba Toscano, Chiara Gambino, Alessandro Lui
regia colonna sonora Marcello Cotugno
scene e costumi Luigi Ferrigno, Sara Palmieri
luic Gaetano La Mela
aiuto regia Martina Gelnda
una produzione Teatro Stabile di Catania

Peggy Pickit
Guarda
il Volto
di Dio

Carol e Martin tornano a casa dopo aver trascorso sei anni lavorando nello staff di Medici senza frontiere in un paese africano non ben definito. Al loro ritorno, vengono invitati a cena dai loro vecchi amici Liz e Frank. Le due coppie si erano incontrate alla facoltà di medicina ma da lì in poi le loro vite avevano preso percorsi estremamente differenti. Mentre Carol e Martin hanno scelto di prestare assistenza medica in luoghi di estrema povertà, Liz e Frank hanno invece esercitato la loro professione inseguendo obbiettivi più tradizionali: la carriera, il guadagno, la costruzione di una famiglia. A legarli in questa lunga distanza, la presenza di una bambina, Annie, che Liz e Frank hanno adottato a distanza, e di cui Martin e Carol si sono presi cura durante la loro permanenza in Africa. Durante la cena, l’alcool inizia a scorrere e fa emergere incomprensioni e gelosie reciproche tra le due coppie. Protagoniste inerti dell’azione diventano inaspettatamente due bambole. La prima, Peggy Pickit (che dà nome all’ opera), è un costoso giocattolo di fabbricazione occidentale destinato da Liz e Frank ad Annie, l’altra è una semplice bambola artigianale di legno, portata in dono dall'Africa da Carol e Martin per Katie, la figlia biologica dei loro amici.
Le due bambole diventano il simbolo dell’enorme divario tra il capitalismo avanzato del mondo occidentale e la povertà dei paesi in via di sviluppo. Un divario incolmabile sottolineato anche dal racconto che Liz fa di una lettera che Katie ha scritto per Annie, tentativo, forse impossibile, di gettare un ponte tra due realtà troppo lontane. Attraverso i toni a volte ironici, a volte dolorosi di questa commedia amara, il conflitto che anima azioni e relazioni in scena diventa dunque metafora di un'inquietudine esistenziale tipica del contemporaneo. Da un lato le due coppie rispondo al richiamo di un'affannosa ricerca di identità e di ruolo nella società (come medici e come individui), richiamo a cui forniscono risposte diametralmente opposte. Dall'altro, dietro a una contrapposizione che potrebbe superficialmente leggersi come uno scontro buoni/cattivi, emerge una riflessione più acuta e pessimista sul relativismo dei valori, sul confine sottile tra bene e male, compassione e pietà e, non ultimo, sul senso di colpa dell’Occidente e sul paternalismo assistenzialista che permea il rapporto tra l'Europa e le ex colonie.

di Roland Schimmelpfennig
traduzione di Marcello Cotugno e Suzanne Kubersky
con Valentina Acca, Valentina Curatoli,
Emanuele Valenti, Aldo Ottobrino
regia colonna sonora e luci Marcello Cotugno
scene Sara Palmieri
costumi Ilaria Barbato
aiuto regia Martina Gargiulo
assistente alla regia Chiarastella Sorrentino
datore luci Mattia Santangelo
la foto della locandina è di Ludovica Bastianini
una produzione TAN - Teatri Associati Napoli
e Primavera dei Teatri
con il contributo del Goëthe Institut

prima parte del progetto: Una Trilogia Tedesca, a cura di
Marcello Cotugno, Valentina Acca, Valentina Curatoli

The Red Lion

Marcello Cotugno – che nel 2003 portò in scena l’edizione italiana di Closer – con The Red Lion rinsalda il legame con l’autore inglese. «Marber – spiega – si inscrive in quella tradizione che, partendo da autori come Harold Pinter e John Osborne, attraversa le drammaturgie di Martin Crimp, Sarah Kane e, oltre oceano, di Edward Albee, David Mamet e Sam Shepard. Un teatro relazionale che, tra classicità e innovazione, esplora e disseziona i rapporti e i valori decaduti della civiltà occidentale.
Protagonista di The Red Lion è il calcio. «In campo – continua Cotugno – tre personaggi: con una giovane promessa del calcio, l’allenatore e l’anziano factotum della piccola squadra di provincia che, ignari dei problemi del ragazzo cercano di trarre profitto dalle sue capacità».
L’adattamento dello scrittore napoletano Andrej Longo ambienta la vicenda nella provincia campana e mira a rendere più evidente l’universalità dei temi e ad annullare la distanza che, spesso, distorce la percezione dei testi anglosassoni. Marber ci invita, attraverso un argomento cross-generazionale e di forte ricezione, a riflettere sulla perdita di valori che oggi riguarda tanti altri contesti del contemporaneo. La messa in scena semplice, simbolica, valorizza le performance attoriali di un cast d’eccezione: il giovane Lorenzo Scalzo e due dei più apprezzati talenti italiani della scena e dello schermo, Nello Mascia e Andrea Renzi, che ricompongono dopo vent’anni la coppia calcistica de L’uomo in più, il film cult d’esordio di Paolo Sorrentino. I tre interpreti danno voce alle anime perse che, tra un calcio e l’altro, si confrontano e si scontrano nel logoro e affascinante backstage di un campetto malridotto di provincia, incarnando amaramente sogni e sconfitte di tutti noi.

di Patrick Marber
traduzione Marco Casazza,
adattamento Andrej Longo
con Nello Mascia, Andrea Renzi,
Simone Mazzella
regia e colonna sonora
Marcello Cotugno
scene Luigi Ferrigno
costumi Anna Verde
luci Pasquale Mari
aiuto regia Martina Gargiulo
assistente alla regia Chiarastella Sorrentino
suono Daghi Rondanini
coproduzione La Pirandelliana - Teatri Uniti
in collaborazione con
Napoli Teatro Festival 2020

Oh scusa dormivi

Marcello Cotugno firma la regia di un interessante testo di Jane Birkin sui problemi di coppia intitolato Oh scusa dormivi. Di notte, afflitta dall’insonnia, una donna confessa al marito di nutrire molti dubbi sulla loro relazione, nati dalla sensazione che il loro amore si stia esaurendo. Non riuscendo a ottenere rassicurazioni soddisfacenti dal marito, la donna si vedrà costretta a prendere una decisione importante. “La crisi, la precarietà, l’amore liquido, la società liquida, hanno segnato le nostre azioni negli ultimi vent’anni, minando fortemente concetti come famiglia, monogamia e, in generale ogni forma di impegno sentimentale che implichi un senso di responsabilità”, scrive Marcello Cotugno nelle note. “Ecco che i due protagonisti, passati ormai i quarant’anni, in una lunga notte di dubbi, indagano sulla loro relazione, sul loro amore, che forse non c’è più o che forse non c’è mai stato, perché minacciato costantemente dalla presenza assenza di un terzo incomodo. Le domande si ripetono: mi ami ancora? Sono bella? Nella lunga notte, ispirata anche alla relazione che la Birkin ebbe con Serge Gainsbourg, è in ballo qualcosa di più delle risposte che lei sta cercando da lui. Un bilancio esistenziale, che è anche un grido di allarme per tutti noi: provare a non fuggire dalle nostre responsabilità per tentare, attraverso il dialogo e l’analisi a tenere vivi i nostri amori, sembra una sfida interessante e possibile”.

di Jane Birkin
traduzione Giulia Serafini
regia Marcello Cotugno
con Anna Ammirati, Paolo Giovannucci
scene Dionisio Paccione
luci Carmine Pierri
costumi Giuseppe Avallone
colonna sonora a cura di Marcello Cotugno
aiuto regia Martina Gargiulo
direttore di scena e macchinista Nicola Grimaudo
fonico Diego Iacuz
sarta Annalisa Riviercio
foto di scena Marco Ghidelli
in collaborazione con Accademia di Belle Arti di Napoli Cattedra di Scenografia – prof. Luigi Ferrigno
produzione Teatro Stabile di Napoli – Teatro Nazionale

Regalo di Natale

Nel suo saggio I giochi e gli uomini, il sociologo Roger Caillois suddivide i giochi in quattro categorie: agon o competizione, alea o caso, mimicry o maschera ilinx o vertigine. Il poker, secondo molti, si avvicina all’idea del gioco perfetto, poiché racchiude in sé tutte e quattro queste anime. “Nulla come il gioco del poker vi rivela - sostengono il filosofo Pier Aldo Rovatti e il sociologo Alessandro Dal Lago nel loro libro Per gioco. Piccolo Manuale dell’esperienza ludica - la persona morale di chi vi sta di fronte (e la vostra a loro)”. La mia stessa frequentazione del microcosmo del poker mi pone in una posizione di attento osservatore delle dinamiche che si sviluppano al tavolo da gioco, che rimandano da un lato alla sfida eterna per il potere, dall’altra ad una ancora più radicale sfida contro sé stessi e contro la morte. Una riflessione su Regalo di Natale, noto e fortunato film di Pupi Avati, adattato per il teatro dalla penna di Sergio Pierattini, non può prescindere da questa breve premessa. Primo perché è un film sul poker. Secondo, ma in misura non meno importante, perché è un film sull’amicizia tradita. Ci troviamo in una villa, dove, la notte di Natale, quattro amici che non si vedono da dieci anni incontrano quello che è designato ad essere il “pollo” da spennare: l’avvocato Sant’Elia, un uomo sulla sessantina, ricco e ingenuo, che sembra addirittura trovare consolazione nel perdere.

di Pupi Avati
adattamento teatrale di Sergio Pierattini
regia Marcello Cotugno
con Gigio Alberti, Fulvio Pepe (Filippo Dini), Giovanni Esposito,
Valerio Santoro, Gennaro Di Biase
sene Luigi Ferrigno
costumi Alessandro Lai
luci Pasquale Mari
aiuto regia Beatrice Tomassetti
foto di scena: Michele De Punzio
produzione La Pirandelliana
grafica locandina: DER*LAB

Un autunno
di fuoco

Una donna anziana barricata in casa e un intruso che si in la dalla finestra. È così che inizia Un autunno di fuoco, commedia dolce e graffiante sui delicati e spesso esplosivi rapporti tra madri e figli. Ma Alessandra non è una vecchietta indifesa, bensì un’artista quasi ottantenne alla resa dei conti con la sua famiglia per stabilire dove trascorrerà i suoi ultimi anni di vita. Con un’arguzia inaspettata in una donna dall’aspetto così gentile, una passione vulcanica e una pila di bombe Molotov, Alessandra si chiude in casa minacciando di dar fuoco a tutto piuttosto che finire in una casa di riposo. E l’intruso è Chris, il più giovane dei tre gli: spetta a lui convincere Alessandra a lasciare la sua casa, mentre le prime bombe emotive iniziano a detonare.

di Eric Coble
Adattamento Marco Casazza
Regia Marcello Cotugno
Interpreti Milena Vukotic e Maximilian Nisi
scene Luigi Ferrigno
costumi Andrea Stanisci
luci Bruno Guastini
colonna sonora a cura di Marcello Cotugno
aiuto regista Martina Gargiulo
assistente scenografa Sara Palmieri
produzione Teatro La Contrada
Festival Borgio Verezzi

Leni, il trionfo della bellezza

Le Olimpiadi del ’36, rimaste nella memoria collettiva per straordinari episodi come le quattro medaglie oro vinte (davanti agli occhi di un Hitler visibilmente contrariato) dall’afroamericano Jesse Owens, sono anche le prime dell’era mediatica (riprese e trasmesse quasi in diretta nei cinegiornali): una gigantesca operazione di seduzione, con la quale la maschera del regime incanta e inganna il mondo.Lavorare con un’attrice come Valentina Acca, capace di mutuare e remixare diversi stili teatrali, consente una grande libertà espressiva e dialettica: non molti attori riescono, infatti, a passare con tanta semplicità dal naturalismo all’astrazione, dal teatro lirico a quello brechtiano, assecondando senza limiti e barriere un percorso polimorfo e diacronico come quello di Leni, Il Trionfo della Bellezza. Il testo prevede infatti un’architettura non lineare di superfici narrative che si sovrappongono ricostruendo un’unica vicenda: quella di una donna simbolo dei chiaroscuri del Novecento, che approda al nuovo millennio portando con sé un enigma mai risolto. Anche le musiche, in questo progetto per voce sola, saranno di fondamentale apporto al tradursi di emozioni e immagini: dalle note evocative di Max Richter alle rivisitazioni weimariane di Brian Ferry e della sua Orchestra.per finire al minimalismo neoclassico di Philip Glass.

di Irene Alison
con Valentina Acca
regia di Marcello Cotugno
scenografia Sara Palmieri
aiuto regia Martina Gargiulo
una produzione Khora Teatro
Napoli Teatro Festival - SportOpera

Novantadue
Falcone e Borsellino vent'anni dopo

Novantadue è una moderna tragedia classica. Suo malgrado.
La modernità è nei fatti, nel titolo che scandisce la nostra ridottissima distanza (solo temporale, perché nei fatti c’è già un universo a separarci) dalla storia che mette in scena.
La sua classicità è nella dimensione epica, consapevolmente eroica, dei suoi protagonisti: sarebbero piaciuti a Sofocle, Falcone e Borsellino.
Lo si potrebbe peraltro credere un testo di denuncia: Novantadue – o meglio, il 1992 – è stato un anno orribile della nostra storia, iniziato peraltro con la pronuncia da parte della Cassazione della sentenza storica e definitiva di condanna che chiuse di fatto il Maxi-processo.
Invece, Novantadue è soprattutto, sorprendentemente il racconto di una doppia solitudine.
Che si staglia sullo sfondo di una fase epocale della nostra storia repubblicana, ma sempre solitudine umana resta. È il racconto di due uomini abbandonati da quello Stato che hanno giurato di servire.

di Claudio Fava
con (in o.a) Filippo Dini, Giovanni Moschella
e Pierluigi Corallo
allestimento e Regia di Marcello Cotugno
luci Stefano Valentini
suono Gianfranco Pedetti
progetto grafico Francesco Lampredi
produzione BAM Teatro

In collaborazione con:
XXXVII Cantiere Internazionale D’arte di Montepulciano
Festival L’Opera Galleggiante

Non chiamateli briganti

Non chiamateli Briganti racconta con ironia e disincanto quella attitudine al trasformismo politico, ideologico e sociale che da sempre contraddistingue il popolo italiano.La storia si svolge nelle campagne tra la Puglia e la Campania tra il 1859 e il 1863; poco prima della proclamazione dell’Unità d’Italia, due fratelli pugliesi, Carlo e Cosimo Capitoni, uno contadino, l’altro pastore, dopo essere stati accusati ingiustamente di un furto di pecore dal mezzano Pasquale Volturno, sono costretti a darsi alla macchia. Briganti per forza e non per vocazione, si trovano così ad attraversare un repentino e doloroso cambiamento che non segna solo la loro esistenza, ma investe, parallelamente, l’identità e la storia del nostro paese.In una serie di eventi tragicomici, i due personaggi passeranno dall’essere briganti improvvisati al diventare garibaldini inconsapevoli, subiranno un processo per la battaglia del Volturno e verranno condannati alla fucilazione dall’esercito borbonico, saranno fortunosamente liberati dai garibaldini durante l’assedio di Gaeta per poi perdere le rispettive tracce proprio a seguito di quella battaglia. Una volta separati, l’uno finirà con lo scegliere (questa volta coscientemente) di proseguire sulla strada del brigantaggio, l’altro deciderà di asservirsi al nuovo Regno Sabaudo. Alla fine anche i due protagonisti, così come l’Italia, si ritroveranno uniti: ma alle radici di questa nuova unione ci sarà più la convenienza che lo slancio patriottico.

di e con Paolo De Vita e Mimmo Mancini
regia e drammaturgia Marcello Cotugno
scene Sara Palmieri
costumi Noemi Intino
luci Fabio Fornelli
aiuto regia Martina Gargiulo
colonna sonora a cura di Marcello Cotugno
voce fuori campo Francesco Mancini
consulenza storica Marino Pagano
Valentino Romano

Liquido

Marcello Cotugno firma la regia del suo testo intitolato Liquido, nato da una riflessione sul disgregamento del concetto di famiglia e sui possibili mutamenti delle relazioni affettive e degli equilibri generazionali in un futuro prossimo. Il protagonista, Guido, si ritrova pensionato, con una moglie distante e due figlie ostinatamente estranee: in seguito all’improvvisa morte della moglie, preda di un crescente senso di inutilità e vittima del sottile disprezzo delle ragazze, decide di sparire. Va in oriente per sottoporsi a una terapia sperimentale che promette di sciogliere i nodi e i dolori di un’intera esistenza. Tra ciarlataneria e cyber cultura, il Dottor Hao, guru e terapeuta giapponese, immerge i pazienti in una sorta di liquido amniotico per riportarli al grado zero della propria coscienza, intatti dalle ferite della vita. Dopo un anno di terapia, Guido torna a casa. Forse è davvero “guarito”, forse il suo viaggio ha avuto la funzione di un potente placebo sciogliendo le tensioni d’una vita, certamente appare un altro uomo, deciso fino alla spietatezza, anaffettivo, animato da un’energia incontenibile.

testo e regia Marcello Cotugno
collaborazione alla drammaturgia Irene Alison
con Valentina Acca, Salvatore Cantalupo, Xhilda Lapardhaja, Serena Marziale
in video Alfonso Postiglione
scene Sara Palmieri
costumi Annalisa Ciaramella
luci Carmine Pierri
video Alessandro Papa
colonna sonora a cura di Marcello Cotugno
aiuto regia Beatrice Tomassetti
assistente alla regia Martina Gargiulo
direttore di scena Nicola Grimaudo
sarta Francesca Colica
foto di scena Marco Ghidelli
scene a cura della Cattedra di Scenografia – prof. Luigi Ferrigno dell’Accademia di Belle Arti Napoli
produzione Teatro Stabile di Napoli – Teatro Nazionale

Some Girl(s)

Marcello Cotugno porta in scena Some Girls(s), dal testo di Neil LaBute, autore americano classe ‘63. Il titolo gioca sull’alternanza tra singolare e plurale; some girl, una qualsiasi ragazza, some girls, alcune ragazze. In una camera d’albergo, Guy prima di sposarsi, decide di incontrare le sue ex fidanzate per chiarire gli inevitabili non detti che accompagnano i fallimenti delle relazioni sentimentali, e poter affrontare il matrimonio dopo essersi riguadagnato, grazie a dei confronti apparentemente sinceri, una sorta di verginità sentimentale. Si alternano così in scena con il protagonista quattro donne, quattro mondi femminili, (la fidanzata, l’amante la vamp e il grande amore) su cui cade uno sguardo lucido e intenerito come nei film di Rohmer. E come nel cinema di Rohmer, la recitazione ha il registro di un naturalismo quasi documentario con incastri e tempi meccanici e perfetti.
Il protagonista maschile, mai cresciuto, è invece una sorta di Candide dell’amore, esce indenne da ogni incontro , pronto a ricominciare, vivendo attimi di verità che lo lasciano uguale a se stesso. Un ritratto emblematico di questa nostra società liquida, senza responsabilità né certezze. La modernità dei personaggi è ribadita anche dalla medialità dei mezzi utilizzati: un quinto episodio infatti sarà visibile dagli spettatori on-line.

di Neil LaBute
traduzione Gianluca Ficca e Marcello Cotugno
con Gabriele Russo, Laura Graziosi (Valentina Acca)
Bianca Nappi Roberta Spagnuolo Martina Galletta
in video Rachele Minelli
regia Marcello Cotugno
scene Luigi Ferrigno
costumi Anna Paola Brancia d'Apricen
produzione Fondazione Teatro di Napoli

Due vecchiette
vanno al nord

La drammaturgia di Pierre Notte è sempre stimolante. Ricordo una remota visione romana di un altro suo testo “Moi aussi je suis Catherine Denevue”, un misto di ironia tagliente e poesia che mi colpirono per intelligenza e modernità. “Due vecchiette…” conferma le impressioni di allora. Battute pungenti, ritmo implacabile e poesia, intesa come delicato rumoreggiare di anime, quelle delle due sorelle protagoniste, poesia che lievemente invade la scena, senza mai essere ovvia né tantomeno larmoyant. La regia di questa pièce è stata intonata con estrema semplicità stilistica: quattro leggii, due sedie e un tavolino. Niente attrezzeria se si escludono due oggetti ‘feticcio’: una piccola urna e una vecchia scatola di biscotti, a sottolineare una scelta – a sottrazione - che cita il ‘literary drama’. Le due attrici Iaia Forte e Daniela Piperno, recitano dietro a leggii complice un periferico agente di polizia e un bizzarro disturbatore che dalla sala agisce con modi a tratti da ‘cafè chantant’. Recitazione viva, mai minimale, da racconto esplosivo con lievi deviazioni verso straniamenti e rari momenti di verità. Le due sorelle vivono in simbiosi e quindi l’obbiettivo comune da raggiungere in scena è stato quello: far vedere come si vive in due e come l’uno senza l’altro si senta perdu, inutile e impotente. Le scelte musicali rimandano a quel mondo dei nostri padri (mi riferisco alla generazione dei settantenni d’oggi) cresciuti a suon di Patachou, Brassens, Aznavour, Vartan ecc. Uno spettacolo a tratti esilarante ma che dietro le battute cela un resoconto amaro e reale della condizione umana, quando ci si trova a chiedere il conto finale, cioè quando si è a due passi dalla morte. E a due passi dalla morte, finalmente ci si sente liberi, liberi di dire e fare quello che le convenzioni sociali inevitabilmente impediscono. Annette e Bernadette vivono la vecchiaia come un’epoca di libertà, da qui la scelta estetica di non farle realistiche: curve, incerte, balbettanti, ma vive, mosse da sentimenti forti che svelano fino in fondo l’ombra a cui siamo inestricabilmente legati.

di Pierre Notte
traduzione di Anna D’elia
con Iaia Forte Daniela Piperno
regia di Marcello Cotugno
costumi Giovanna Buzzi
aiuto regia Beatrice Tomassetti
distribuzione Pigrecodelta - SDT Music
produzione Face a Face

La forma
delle cose

Lo spettacolo prodotto dal Teatro Eliseo e dalla Compagnia Lavia con Asti Teatro, è un’operazione condotta nel segno del nuovo. Nuovo l’autore, almeno per le scene italiane, Neil LaBute, nuovo il regista, Marcello Cotugno, che affronta per la seconda volta un testo dell’autore americano, e un quartetto di giovani interpreti sul quale scommettere: Lorenzo Lavia, Federica Di Martino, Fulvio Pepe e Ilaria Falini. Carmelo Giammello e Andrea Viotti, sono gli affermati scenografo e costumista e Marco Catalucci giovane autore delle luci. La vicenda ha inizio in un museo, dove una ragazza sta ferma con una bomboletta spray davanti ad una statua di uomo nudo. Il sopraggiungere del vigilante scatena una discussione fra i due che si conclude con un invito a cena da parte di lui. Lei, Evelyn, e lui, Adam – richiamo non casuale alla coppia ancestrale Adamo ed Eva, emblema del libero arbitrio e della trasgressione – ribaltano il mito greco di Pigmalione, lo scultore che si innamora della statua perfetta da lui realizzata. Una commedia divertente, ma anche una spietata riflessione sulle dinamiche sentimentali delle nuove generazioni, sulla loro solitudine, sui meccanismi della persuasione, uno sguardo inquieto sul mondo nuovo che verrà. Un allestimento supportato da una scenografia avanguardistica ispirata ai lavori dell’arte moderna più trasgressiva, da Damien Hirst a Tracey Emin, a Mona Hatoum, dove il segno scenico è parte integrante della storia che si svolge in palcoscenico. Una commedia con musiche di tendenza per un pubblico giovane, da Deni Siciliano a Michael Jackson, da David Kitt che rifà Prince a Erlend Oye che remixa i Kings of Convenience, con qualche incursione nella No Wave degli anni ’80 di James White, la cui musica è stata paragonata al movimento pittorico del cubismo, per finire a Mu la nuova cantante performer giapponese. Una commedia con un finale che racchiude in sé uno degli aforismi preferiti dall’autore: atrocity is the new black. Una commedia che è già cult con finale inimmaginabile, da non svelare.

di Neil LaBute
traduzione di Masolino d'Amico
c con Lorenzo Lavia   Federica Di Martino
Fulvio Pepe Ilaria Falini
scene Carmelo Giammello
costumi Andrea Viotti
luci Marco Catalucci
regia Marcello Cotugno
produzione Compagnia Lavia – Teatro Eliseo – Asti Teatro

Bash

Per la prima volta in Italia un testo di LaBute. “Bash” ha debuttato allo scorso Festival di Benevento con la traduzione di Niccolò Ammaniti. LaBute, è stato più volte accostato, dai giornalisti americani, a Mamet e addirittura a Kubrick, per le tematiche e l’arguzia della sua scrittura. E’ autore di due film che hanno fatto molto parlare di sé: “Nella società degli uomini”, vincitore del Sundance Festival nel 1997 e “Amici e vicini” del 1999. Inoltre ha diretto “Betty love”,vincitore al Festival di Cannes 2000 per la migliore sceneggiatura e recentemente “Possession”. E’ inoltre autore di “The Shape of Things”, che ha recentemente debuttato a New York dopo aver avuto il suo esordio nel giugno scorso all’Almeida Theatre di Londra. “Bash” ha vinto il premio Time Out a Londra e ha sbancato i botteghini off-Broadway del Douglas Fairbanks Theatre, dove ha debuttato a New York nel 1999 con Calista Flockhart e la regia di Joe Mantello.
il testo si divide in tre atti unici. i primi due quadri si ispirano a due tragedie di euripide. nel primo, medea redux, ci troviamo in un luogo istituzionale. una giovane donna è seduta dietro una scrivania. sul tavolo un registratore, la donna inizia quella che ci sembra essere una confessione… il secondo quadro, ifigenia in orem, rappresenta l’interno del bar di un albergo. un uomo sui trentacinque anni sta parlando con qualcuno, un’intima conversazione con uno sconosciuto… il terzo a gaggle of saints, ( bash), si svolge in una zona neutra. Due fidanzatini, molto eleganti, si trovano a destra e a sinistra del palco, dividendo la scena in due. due sedie aiutano a delimitare lo spazio scenico dei due attori che parlano ad interlocutori immaginari…

di Neil LaBute
traduzione di Masolino d'Amico
conAlessia Giuliani Paolo Sassanelli Violante Placido Fulvio Mosè Maria Pepe
regia Marcello Cotugno
Violante Placido veste Fiore Argento
Paolo Sassanelli e Fulvio Pepe vestono Franco Litrico
disegno luci Giuseppe Romanelli
aiuto regia Claudia Campagnola
grafica Veronica Mainetti
foto di Scena Alberto Martinangeli
ufficio stampa Francesco Caruso Litrico
Produzione Fox&Gould - Beat 72
Benevento Città Spettacolo

Anatomia della
morte di...
Vincitore del premio:
Sette spettacoli per un nuovo teatro
italiano per il 2000

MOTIVAZIONE:
Nello stile dell'inchiesta, della ricerca di una parvenza di verità, del processo indiziario, questo testo analizza problemi, situazioni, malesseri, solitudini del mondo giovanile. Interessa l'uso non banale e non convenzionale del personal computer, utilizzato non solo per proprio uso ma anche per la comunicazione interpersonale; interessa lo sguardo attento sul mondo giovanile, un mondo che qui parla in prima persona, sottraendosi agli sguardi paternalistici con i quali generalmente viene osservato dal mondo degli adulti

Nuove tecnologie, nuove intelligenze, il computer come estensione del cervello, internet come estensione del computer, il teatro come massima estensione di tutto, di qualunque cosa. Perché è la vita. Quella che cambia in continuazione quella che ti schiaccia per terra, quella che ti fa svegliare a quarant’anni e ti fa pensare che tu sei un fallito… Persone normali che non lo sono, Dottor Jekyll del 2000, borghesi, piccoli, inutili, ma forse non colpevoli. O forse sì. D’altra parte la colpa è un concetto superato. O no? E il computer corre e va a cercare le ragioni le motivazioni, le assolute mancanze che hanno portato un ragazzo, un altro ragazzo, a dire “Oggi è l’ultima volta che vivo”. Così è stata la nostra vita, piena di non lo so, di come sto male, di superficialità banali ed a volte inconsapevoli. Perché Daniele si è ammazzato?

di Marcello Cotugno
con Paolo Zuccari Daniele Pecci Massimiliano Bruno Laura Nard Lydia Biondi Giorgio Colangeli
Voce di Radio Millenium Carlo Massarini
Regia: Marcello Cotugno
Scenografo: Paolo Prota
Costumi: Federica Migliotti
Ufficio Stampa: Francesco Caruso Litrico
Disegno luci: Marcello Cotugno e Marco Catalucci
produzione Teatro di Roma - Beat 72
Roma Teatro Argentina, luglio 2000

Niente e nessuno
(Una storia finita)
U n Uomo ha deciso di restare per sempre bambino, in un limbo: è un barbone-Diogene che rovista nella spazzatura per cercare il senso della vita o forse solo qualcosa da mangiare. Gli incontri con Giuda e Maria Maddalena, a rapprersentare l’uomo in crisi di Camus e la Puttana Santa, lo indurranno a credere o a sperare. Giuda è un uomo di oggi, un gangster debole, cattivo ma profondamente umano, costretto dal volere del suo boss, a perdere tutto, per ‘un pugno di dollari’. Maddalena è tutte le donne che battono sui viali e che non sperano in qualcuno o in qualcosa per cambiare vita.
Chi finirà suicida, chi resterà nel suo fango e chi, come N'Ommo resterà senza una risposta. E dovrà tornare nel suo paese, dove forse ritroverà quel padre e quella madre ancora fermi li, sull'uscio lì a discutere sul senso della vita del loro figlio.

di Letizia Russo
regia di Marcello Cotugno
con (in ordine di apparizione) Ciro Damiano (n’Ommo) Giancarlo Ratti (Giuda) Alessia Giuliani (Maria Maddalena)
musiche di Paolo Vivaldi
scene e costumi Paola Peraro
disegno luci Marcello Cotugno Marco Catalucci
prtoduzione Teatro di Roma
Per Antiche Vie
Festival del Teatro Italiano di Terracina Beat 72

CLOSER
di Patrick Marber

Closer
Finalista Premi UBU 2004
migliore novità straniera
una ragazza di una cittadina di provincia, giovane, carina e problematica, un trentacinquenne scrittore fallito di periferia che rincorre le sue paure, un medico un po’ rude, irruente e diabolico e una fotografa che viene da una ricca famiglia di campagna che cerca l’amore dell’ultima spiaggia, tutti incapaci di sentire, di fermarsi a vivere la vita invece che farsela scivolare davanti. le 12 scene narrano di quattro relazioni tra i personaggi, tutte ‘scattate’ in momenti topici, all’inizio o alla fine di una relazione, quello che c’è nel mezzo, come dice lo stesso marber, poco interessa. dan soccorre alice che ha un incidente sul ponte di blackfriars e, di lì a poco, ci si mette insieme. un anno dopo dan, che sta per pubblicare un libro ispirato alla vita di alice, conosce anna, una fotografa e flirta con lei. sei mesi dopo larry in una chat su internet si imbatte in dan che si finge anna per gioco e dà a larry un appuntamento all’acquario. ma l’indomani all’acquario, per puro caso, c’è la vera anna. da qui nasce l’amore tra i due e ne scaturisce una girandola di tradimenti e menzogne, di paure e di fragilità. alla fine del primo atto c’è la rottura delle coppie: e larry e alice vengono lasciati mentre anna e dan si mettono insieme… quando una relazione tenta di diventare più intima, allora è il momento di filarsela, magari dicendo: “non ti amo più, ciao”. l’altra/o è solo lo specchio della nostra paura di avvicinarci seriamente allo psicanalitico alter ego.

di Patrick Marber
traduzione di Marcello Cotugno
con Valeria Cavalli… Anna
Carolina Levi…Alice
Paolo Sassanelli… Larry
Paolo Zuccari… Dan
regia Marcello Cotugno
la poesia “Do not go gentle into that good night” è recitata da: Dylan Thomas
scene Veronica Rosafio
luci Raffaella Vitiello Marco Catalucci
colonna sonora a cura di Marcello Cotugno
direzione tecnica Raffaella Vitiello
aiuto regia Valentina Fabbri
assistente alla regia Alessandro Carnaroli

Emilie Muller
“Emilie Muller”, è stato il cortometraggio più premiato nel 1994. Scritto e diretto dal regista francese Yvon Marciano, è stato programmato nelle sale italiane nell’estate di quell’anno, in abbinamento al film “Donne senza trucco”, premio Oscar per la migliore opera prima straniera. Strutturato in maniera semplice, Emilie Muller rappresenta, nel suo svolgersi epifanico, il sogno comune di molte giovani attrici: fare un provino talmente sensazionale da folgorare il regista e indurlo a sceglierle immediatamente. Nella rielaborazione teatrale del cortometraggio, le emozioni e le sensazioni trasmesse attraverso il linguaggio filmico si traducono in emozioni e sensazioni comunicate attraverso il linguaggio scenico. L' ambientazione teatrale, è resa attraverso l'introduzione nel testo di alcuni provini, che precedono l'arrivo di Emilie, ed immettono il pubblico in un'atmosfera che coglie la specificità della situazione scenica, ovviamente nel film espressa in maniera diversa. La chiave di lettura è volutamente quella dell'ironia sul teatro e sull'universo dei provini teatrali. La trama: una ragazza va a fare un provino sostituendo un'amica...

di Yvon Marciano
regia di Marcello Cotugno
allestimento scenico di Paolo Prota
costumi di Marilena Maddonni
foto di scena Alberto Martinangeli
con
(1998)
Valerio Aprea
Franco Cardì
Francesca Colonna
Sabrina Dodaro
Giada Fradeani
Andrea Ricciardi
Laura Romano
(1996)
Letizia Rossi
Marco Simeoli
Francesca Colonna
Annalisa Favetti
Francesca di Munno
Camillo Ventola

Produzione Beat 72

La madre

La madre

2084
L'anno in cui
bruciammo chrome

2084
L'anno in cui bruciammo chrome

Disorder

Disorder
(Land of the Dead /Helter Skelter)

LA PACCHIONA
(Fat Pig)

La Pacchiona
(Fat Pig)

PEGGY PICKIT
GUARDA IL VOLTO DI DIO

Peggy Pickit
Guarda
il Volto
di Dio

THE RED LION

The Red Lion

OH SCUSA DORMIVI

Oh scusa dormivi

REGALO DI NATALE

Regalo di Natale

UN AUTUNNO
DI FUOCO

Un autunno
di fuoco

LENI, IL TRIONFO
DELLA BELLEZZA

Leni, il trionfo della bellezza

NOVANTADUE

Novantadue
Falcone e Borsellino vent'anni dopo

NON CHIAMATELI BRIGANTI

Non chiamateli briganti

LIQUIDO

Liquido

SOME GIRL(s)

Some Girl(s)

DUE VECCHIETTE
VANNO AL NORD

Due vecchiette
vanno al nord

LA FORMA DELLE COSE

La forma
delle cose

BASH

Bash

ANATOMIA DELLA MORTE DI...
di Marcello Cotugno

Anatomia della
morte di...
Vincitore del premio:
Sette spettacoli per un nuovo teatro
italiano per il 2000

NIENTE E NESSUNO
di Letizia Russo

CLOSER
di Patrick Marber

EMILIE MULLER
di Yvon Marciano

The Red Lion

Oh scusa dormivi

Regalo di Natale

Un autunno di fuoco

Leni, il trionfo della bellezza

NovantadueFalcone e Borsellino vent'anni dopo

Non chiamateli briganti

Liquido

Some Girl(s)

DUE VECCHIETTE VANNO AL NORD

Due vecchiette vanno al nord

LA FORMA DELLE COSE

La forma delle cose

BASH

Bash

ANATOMIA DELLA MORTE DI... di Marcello Cotugno

Anatomia della morte di... Vincitore del premio: Sette spettacoli per un nuovo teatro italiano per il 2000

NIENTE E NESSUNO di Letizia Russo

CLOSER di Patrick Marber

EMILIE MULLER di Yvon Marciano

Un autunno
di fuoco

Novantadue
Falcone e Borsellino vent'anni dopo

DUE VECCHIETTE
VANNO AL NORD

Due vecchiette
vanno al nord

La forma
delle cose

ANATOMIA DELLA MORTE DI...
di Marcello Cotugno

Anatomia della
morte di...
Vincitore del premio:
Sette spettacoli per un nuovo teatro
italiano per il 2000

NIENTE E NESSUNO
di Letizia Russo

CLOSER
di Patrick Marber

EMILIE MULLER
di Yvon Marciano